Marin Marais

(Francia, 1656-1728)
Compositor y violista francés nacido en París. Una de las figuras más destacadas de la floreciente escuela francesa de viola de gamba que surgió a final del XVII y se desarrolló a lo largo del siglo siguiente. Estudió composición con Lully y fue discípulo de Sainte-Colombe durante seis meses. Su gran destreza al tocar la viola da gamba le llevó en 1676 a dirigirse a Versalles para actuar como violista en la corte francesa de Luis XIV. En los años siguientes fue nombrado Violista Regular de la Casa del Rey y allí permaneció hasta su retirada en 1725. Es el compositor más prolífico de música para viola da gamba (500 composiciones) y sus obras más importantes para éste instrumento fueron publicadas en cinco colecciones entre 1686 y 1725. También compuso las óperas Alcides (1693) con Lully, Ariadne et Bacchus (1696), Alcione (1706) y Sémele (1709). Marais desarrolló la viola a su más alto grado de perfección, y lo que aún es más importante, expandió todas sus posibilidades y capacidades de generar belleza. Tuvo 19 hijos, muchos de ellos músicos reconocidos. Murió en París en 1728.
 

Obra

Más de 600 piezas para viola, repartidas en cinco libros.
Pièces à une et à deux violes (piezas a una y dos violas) (1686)
Basses continues des pièces à une et deux violes avec une augmentation de plusieurs pièces particulières en partition (bajo continuo de piezas de una y dos violas, además de piezas en partes separadas) (1689)
Pièces pour violes, Deuxième livre (segundo libro de piezas de viola) (1701)
Pièces pour viole, Troisième livre (tercer libro) (1711)
Pièces à une et à trois violes, Quatrième livre (cuarto libro con piezas a una y tres violas) (1717)
Pièces pour viole, Cinquième livre (quinto libro) (1725)

Las piezas para trío. Es uno de los primeros compositores franceses que aborda el género:
Pièces en trio pour les flûtes, violons et dessus de viole avec la basse continue (tríos de flautas, violín, viola y bajo continuo) (1692)
La Gamme et autres morceaux de symphonie pour le violon, la viole et le clavecin(1723)

Las tragedias en música (u óperas):
Alcide (1693)
Ariane et Bacchus (1696)
Alcyone (1706)
Sémélé (1709)

Enlace a Partituras

Fuentes:
EPdLP
Wikipedia

El testamento de Beethoven

El testamento dejado por Beethoven en un compartimiento secreto encontrado junto con su carta a la amada inmortal. En el verano de 1802 y por recomendación personal de su médico personal Johann Adam Smith, Beethoven se trasladó a Heligenstandt ... vale decir que en aquella época se encontraba algo retirado de Viena.

Fue allí donde pasaría privados momentos... conciente ya de su definitiva sordera, el aislamiento de la que esta lo hacía preso y toda la carga emocional de amor y preocupación por las personas que le importaban verdaderamente plasmado todo esto en tan perturbador escrito. He aquí su transcripción:

Para mis hermanos Carl y….... (Johann) van Beethoven:

¡Oh, hombres que me juzgáis malevolente, testarudo o misántropo! ¡Cuán equivocados estáis! Desde mi infancia, mi corazón y mi mente estuvieron inclinados hacia el tierno sentimiento de bondad, inclusive me encontré voluntarioso para realizar acciones generosas, pero, reflexionad que hace ya seis años en los que me he visto atacado por una dolencia incurable, agravada por médicos insensatos, estafado año tras año con la esperanza de una recuperación, y finalmente obligado a enfrentar el futuro unaenfermedad crónica (cuya cura llevará años, o tal vez sea imposible); nacido con un temperamento ardiente y vivo, hasta inclusive susceptible a las distracciones de la sociedad, fui obligado temprano a aislarme, a vivir en soledad, cuando en algún momento traté de olvidar es, oh, cuan duramente fui forzado a reconocer la entonces doblemente realidad de mi sordera, y aun entonces, era imposible para mi, decirle a los hombre, habla mas fuerte!, grita!, porque estoy sordo.

Ah! Como era posible que yo admitiera tal flaqueza en un sentido que en mi debiera ser mas perfecto que en otros, un sentido que una vez poseí en la mas alta perfección, una perfección tal como pocos en mi profesión disfrutan o han disfrutado –Oh, no puedo hacerlo, entonces perdonadme cuando me veáis retirarme cuando yo me mezclaría con vosotros con agrado, mi desgracia es doblemente dolorosa porque forzosamente ocasiona que sea incomprendido, para mi no puede existir la alegría de la compañía humana, ni los refinados diálogos, ni las mutuas confidencias, solo me puedo mezclar con la sociedad un poco cuando las mas grandes necesidades me obligan a hacerlo.

Debo vivir como un exiliado, si me acerco a la gente un ardiente terror se apodera de mi, un miedo de que puedo estar en peligro de que mi condición sea descubierta – así ha sido durante el año pasado que pasé en el campo, ordenado por mi inteligente medico a descansar mi oído tanto como fuera posible, en esto coincidiendo por mi natural disposición, aunque algunas veces quebré la regla, movido por mi instinto sociable, pero que humillación.

Tú que miras en lo profundo de mi alma

Cuando alguien se paraba a mi lado y escuchaba una flauta a la distancia, y yo no escuchaba nada, o alguien escuchaba cantar a un pastor, y yo otra vez no escuchaba nada, estos incidentes me llevaron al borde de la desesperación, un poco mas y hubiera puesto fin a mi vida – solo el arte me sostuvo, ah, parecía imposible dejar el mundo hasta haber producido todo lo que yo sentía que estaba llamado a producir, y entonces soporté esta existencia miserable – verdadera mente miserable, una naturaleza corporal hipersensible a la que un cambio inesperado puede lanzar del mejor al peor estado – Paciencia – Esta dicho que ahora debo elegirla para que me guíe, así lo he hecho, espero que mi determinación permanecerá firme para soportar hasta que a las inexorables parcas les plazca cortar el hilo,

tal vez mejoraré, tal vez no, estoy preparado.

Forzado ya a mis 28 años a volverme un filósofo, oh, no es fácil, y menos fácil para el artista que para otros – Ser Divino, Tu que miráis dentro de lo profundo de mi alma, Tu sabes, Tu sabes que el amor al prójimo y el deseo de hacer el bien, habitan allí. Oh, hombres, cuando algún día leáis estas palabras, pensad que habéis sido injustos conmigo, y dejad que se consuele el desventurado al descubrir que hubo alguien semejante a él, que a pesar de todos los obstáculos de la naturaleza, igualmente hizo todo lo que estuvo en sus manos para ser aceptado en la superior categoría de los artistas y los hombres dignos.

Ustedes, mis hermanos Carl y ……, tan pronto cuando este muerto, si el Dr. Schmidt aun vive, pídanle en mi nombre que describa mi enfermedad y guarden este documento con la historia de mi enfermedad de modo que en la medida de lo posible, al menos el mundo se reconcilie conmigo después de mi muerte. Al mismo tiempo los declaro a los dos, como herederos de mi pequeña fortuna (si puede ser llamada de esa forma), divídanla justamente, acéptense y ayúdense uno al otro, cualquier mal que me hayáis hecho, lo sabéis, hace tiempo que fue olvidada. A ti, hermano Carl te doy especialmente las gracias por el afecto que me has demostrado últimamente.

Es mi deseo que vuestras vidas sean mejores y mas libres de preocupación que la mía, recomendad la virtud a vuestros hijos, esta sola puede dar felicidad, no el dinero, hablo por experiencia, solo fue la virtud que me sostuvo en el dolor, a esta y a mi arte solamente debo el hecho de no haber acabado mi vida con el suicidio – Adiós, y quiéranse uno al otro – Agradezco a todos mis amigos, particularmente al Príncipe Lichnowskyy al Profesor Schmidt – Deseo que los instrumentos del Príncipe L, sean conservados por uno de ustedes, pero que no resulte una pelea de este hecho, si pueden serviros de mejor fin, véndanlos, me sentiré contento si puedo seros de ayuda desde la tumba – con alegría me acerco hacia la muerte – si esta llega antes de que tenga la oportunidad de mostrar todas mis capacidades artísticas, habrá llegado demasiado temprano, no obstante mi duro destino y probablemente desearé que hubiera llegado mas tarde – pero aun así estaré satisfecho, no me liberará entonces de mi interminable sufrimiento? Vengas cuando vengas, te recibiré con valor- Adiós y no me olvidéis completamente cuando este muerto, merezco eso de ustedes, habiendo yo pensado en vida tantas veces acerca de cómo hacerlos felices, sedlo -

Heiglnstadt

Octubre 6, 1802

Creo en la música para sacar a los niños de la miseria

El tenor peruano Juan Diego Flórez se encuentra inmerso en el proyecto de orquestas infantiles que creó en su país hace un año y medio, "a fin de utilizar la música para sacar de la miseria a los niños de las clases más desfavorecidas". La Fundación "Sinfonía por el Perú", inspirada en una iniciativa similar que conoció en Venezuela, ha creado ya veinte "núcleos" o proyectos en varias ciudades peruanas, si bien el "sueño" de Florez (Lima, 1973) es "sembrar el país de orquestas", confesó en una entrevista con Efe. (Click en Fuente para seguir leyendo).

Fuente: Noticias | HagaseLaMusica.com

Monsieur de Sainte-Colombe (Francia, 1640-1701)

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Compositor y violista francés. Personaje enigmático del que se sabe poco, devoto jansenista y obsesionado con el recuerdo de su mujer, que murió mientras él tocaba para un amigo agonizante. Tras quedar viudo, Sainte-Colombe se recluyó en su granja, entregado a descubrir los secretos de la viola de gamba, a la que dedicó 15 horas diarias de ensayos, descuidando incluso a sus dos hijas. Cuando éstas se hicieron mayores, las instruyó en el arte de tocar la viola, y los conciertos del trío se hicieron célebres. Su vida estuvo siempre en contacto con la naturaleza y fue profesor del joven (17 años) y brillante Marin Marais durante seis meses. Sus enseñanzas no versaron sobre técnica, sino sobre el significado de la música. El sonido del viento, el llanto de su hija, incluso un hombre orinando todo era música para él. Para Sainte-Colombe, la música era la voz de los que no tienen voz, era la voz por la que se expresaban los muertos y los que no habían nacido, era la expresión de un misterio no sólo humano.

A continuación les dejo una lista de reproducción de youtube con la película que muestra la vida de este genio y de su discípulo Marin Marais. La película se llama "Todas las mañanas del mundo" y es un film que los músicos que apreciamos y comprendemos la música no deberíamos dejar de ver.

Zubin Metha Medio siglo dirigiendo

El director de orquesta indio repetió el mismo programa que realizó hace medio siglo con la agrupación alemana. Zubin Mehta conmemoró un importante aniversario esta semana con la Filarmónica de Berlín. Mehta comenzó su colaboración musical con la Filarmónica de Berlín el 18 de septiembre de 1961 en la sala de conciertos de la Escuela Superior de Música de Berlín.

Entre las tres obras que el director de orquesta recuperó los días 29 y 30 de septiembre y 1 y 2 de octubre de 2011 en el auditorio de la Filarmónica de Berlín figura "Música para orquesta opus 9" de Gotffried von Einem.

El Concierto para violonchelo en la menor opus 129 de Robert Schumann, que hace medio siglo contó con el italiano Enrico Mainardi como solista, fue interpretado en esta ocasión por el germano-canadiense Johannes Moser, quien debutó con la Filarmónica de Berlín.

Completó el programa la Primera Sinfonía en Re Mayor de Gustav Mahler, en esta ocasión, a diferencia de hace cincuenta años, la versión que incluye el segundo movimiento original "Blumine".

El debut de Mehta frente a la Filarmónica de Berlín fue recibido con grandes ovaciones y el público en pie, mientras que uno de los críticos musicales veía en el músico indio a un "hombre a observar de cerca" en el mundo de la dirección de orquesta.

Fuente: http://www.hagaselamusica.com/noticias/zubin-mehta-celebra-50-anos-de-su-debut-con-la-filarmonica-de-berlin/

Mi Maestro de Composición

Grela nació en bulevar Rondeau 2015 (barrio Alberdi, en la zona norte de la ciudad de Rosario), hijo de los artistas plásticos Juan Grela (Tucumán, 1914 – Rosario, 1992) y Haydée Aid Herrera.

Se graduó en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, y como estudios privados aprendió música electroacústica y composición con Francisco Kröpfl e instrumentación y orquestación con Wáshington Castro.

Adiós Nonino

Hubo pocos músicos tan exigentes con la propia obra como Astor Piazzolla. Por eso, su entusiasmo en el verano del 69 al hablar de la introducción que había escrito para un nuevo arreglo de "Adiós Nonino" creó grandes expectativas, totalmente satisfechas por la hermosa sonatina de dos minutos y medio presentada en el álbum Trova del mismo título. Obedientemente leída por Dante Amicarelli, un versátil pianista de confitería a quien -igual que hizo con Jaime Gosis- el compositor le permitía mostrar por una vez su desperdiciado talento, resultó un clásico instantáneo.

Vicente Piazzolla había muerto diez años antes en Mar del Plata como consecuencia de un tonto accidente de bicicleta mientras el hijo compartía con Copes y Nieves un show de tango en Puerto Rico. De vuelta en Manhattan, en lo que parecen haber sido jornadas que mezclaban variadas desesperaciones, creó su gran tango-homenaje, en realidad una revisión de "Nonino", compuesto en París cinco años antes para orquesta de cuerdas y al que recién volvió a prestar atención en 1961, cuando hizo convivir ambas piezas en "Piazzolla interpreta a Piazzolla", su primer gran álbum con quinteto.

Desde el comienzo, "Adiós Nonino" estuvo ligado a ese formato instrumental: era inevitable escucharlo con el bandoneonista rodeado de violín, guitarra, piano y contrabajo, pero pasaba a segundo plano en proyectos más numerosos. Lo mismo, la pieza adquirió vida propia y fue grabada por diversos directores -Leopoldo Federico, Francini-Pontier, Atilio Stampone, Aníbal Troilo- convirtiéndose en un standard del tango.

Esta popularidad no autorizada puede haber sido lo que impulsó a Piazzolla a reformularlo, una advertencia de que él seguía siendo el dueño de esa música, aunque los que la recrearan fueran sus amigos más queridos y de los pocos que respetaba en el ámbito del tango. Seguramente también hubo una actitud artística noble, la idea de rescatar el carácter íntimo con el que la pieza había nacido, un emotivo tributo final al ser querido, no el pretexto para bailarines seguidores de buenas orquestas.

Aquel prólogo de piano sólo estrenado por Amicarelli quedó incorporado para siempre a "Adiós Nonino", y con distinta sensibilidad lo interpretaron Osvaldo Manzi, Osvaldo Tarantino (su versión en el CD "La muerte del ángel" basta para justificar la leyenda nacida alrededor de este músico) y durante diez años Pablo Ziegler, integrante a partir de 1978 del quinteto más estable y por eso el más adecuado a su música de todos los que Piazzolla condujo.

El grupo murió de causas naturales diagnosticadas prematuramente por el director, que poco más tarde se lanzaba a organizar un sexteto como el de Julio De Caro. La gran travesura fue que, en lugar de un pianista sumiso a la manera del hermano Francisco, convocó al único compositor argentino con obra equiparable a la suya y además gran improvisador, no con la picardía oportunista del jazz sino en el espíritu de los virtuosos románticos: Gerardo Gandini.

Con él, la introducción pianística de "Adiós Nonino" vigente durante más de dos décadas comenzó a decir adiós; cada concierto un tratamiento distinto hasta culminar en el encuentro del Sexteto Nuevo Tango con la orquesta de Osvaldo Pugliese, cuando llegado el momento de tocar la famosa obertura el pianista prefirió seguir jugando a recomponer "La yumba".

Fue en 1989 y el concierto tuvo lugar en un teatro de Amsterdam, la misma ciudad desde donde hace apenas un par de semanas, gracias a la espléndida boda real con novia argentina, "Adios Nonino" se hizo escuchar en todo el mundo, no como gentileza folklórica sino con el carácter de elevada música ceremonial soñado por su compositor que, fiel a su temperamento, se hubiera declarado tan dichoso como ofendido por la elección.

Piazzolla con sus padres

Letra y Partitura

Obertura de Coriolano

Esta tragedia en cinco actos en verso y prosa de William Shakespeare fue escrita hacia 1607-1608, representada probablemente a principios de 1608 e impresa en el infolio de 1623. La fuente es la vida de Coriolano en las Vidas paralelas de Plutarco, que Shakespeare leyó en la traducción de Thomas North (1579), hecha sobre la francesa de Jacques Amyot. Cayo Marcio, soberbio general romano, debido a sus prodigios de valor en la guerra contra los volscos y a la toma de la ciudad de Corioli, recibe el sobrenombre de Coriolano. A su regreso a Roma, el Senado pretende que sea nombrado cónsul, pero su actitud altiva y despectiva hacia la plebe le hace impopular y, pese a los esfuerzos de Menenio Agripa, los tribunos consiguen su destierro. Se dirige a casa de Tulo Aufidio, general de los volscos, su acérrimo enemigo; es recibido calurosamente y puesto a la cabeza de los volscos para vengarse de los romanos. Coriolano llega a las murallas de la ciudad y los romanos, para salvarla de la destrucción, envían a su airado conciudadano antiguos amigos, que le instigan a pactar, pero en vano. Finalmente la madre de Coriolano, Volumnia, su mujer Virgilia y su hijito van a implorarle que salve a la ciudad. Cede a sus súplicas, concluye un tratado favorable para los volscos y vuelve con ellos a la ciudad de Anzio. Allí el general de los volscos le acusa de haber traicionado los intereses de este pueblo y, con ayuda de conspiradores, le hace matar en la plaza pública. Shakespeare siguió muy fielmente las fuentes, en el argumento, en el estilo (similitudes y expresiones del texto de North se encuentran en los versos shakesperianos) y en la caracterización del protagonista. También el carácter de Aufidio es tal como se encuentra en Plutarco; Shakespeare atribuye a Volumnia el arte del disimulo y sobre este motivo basa la escena segunda del tercer acto, bastante famosa, en la que trata de persuadir a su hijo a que disimule para conseguir el consulado. Virgilia y Menenio son casi por entero creaciones de Shakespeare. El dramaturgo concentra todo el interés en el protagonista, enriqueciendo con muchos detalles el relato plutarquiano y haciendo resaltar dicho carácter en contraste con la multitud, cuya sandez y volubilidad representa, hasta transformar un episodio histórico en el que culminó la lucha de principios en una oposición amarga y caricaturesca entre un alma de patricio cerrada por el orgullo y el alma vana y susceptible de la masa. Más que tragedia, Coriolano es un drama histórico pero de un género bastante particular; tiene un gran relieve el elemento satírico y grotesco (como en la escena en que Coriolano ha de mendigar los votos de los plebeyos y los arrebata con una actitud de desafío más que de humildad), y dicho aspecto, así como la figura del zumbón Menenio, hace pensar en ese drama ambiguo que es Troilo y Crésida, donde no se pintan los conflictos internos de los protagonistas. En realidad no hay conflicto en Coriolano (cede a las plegarias de sus seres queridos sin lucha interna: es como el derrumbamiento momentáneo de un mundo que muy pronto se rehace en su cohesión), sino un acontecimiento histórico que sirve para ilustrar la vanidad y la locura de los hombres, cuyas acciones y reacciones parecen tener algo automático que las vuelve al mismo tiempo risibles y siniestras. La impresión que nos deja el drama es la contenida en unas palabras de Menenio (acto V, esc. 4): "Cuando (Coriolano) camina se mueve como una máquina de guerra... Su voz es un tañido fúnebre, su refunfuñar un redoble de tambores". Es un drama áspero y estridente, pobre de color y de calor y, sin embargo, robusto y "romano" en su amargura.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/shakespeare/coriolano.htm

Chango Farias Gomez "Nos dejó el mejor"

El músico de folklore Juan Enrique "Chango" Farías Gómez falleció a los 73 años, cuando estaba internado en el Sanatorio Otamendi por una afección pulmonar sufrida el día 24 de agosto de 2011.

Farías, un ícono de la música nacional, integró los grupos Huanca Huá y Músicos Populares Argentinos y La Manija. El último tiempo lideró la Orquesta de Cámara los Amigos del Chango, con quien tocaba semanalmente en el Teatro del Viejo Mercado en el barrio del Abasto. Además, tenía un programa radial en la FM Nacional Folclórica 98.7

Breve Biografía

Chango Farías Gómez, nombre artístico de Juan Enrique Farías Gómez (n. Santiago del Estero, 1937, f. Buenos Aires, 24 de agosto de 2011), fué un conocido músico y cantante de música folklórica de Argentina y político perteneciente al peronismo. Integró Los Huanca Hua y formó el Grupo Vocal Argentino, Músicos Populares Argentinos (MPA) y La Manija. En 2003 lanzó su primer álbum solista. Se ha caracterizado por su espíritu vanguardista e innovador en la forma de interpretar la música de raíz folklórica y especialmente por ser uno de los músicos que introdujo la polifonía en el folklore argentino y latinoamericano. En la actividad política fue Director Nacional de Música (1989-1992) y legislador de la Ciudad de Buenos Aires (2003-2007). Falleció el 24 de agosto de 2011 como consecuencia de un paro cardíaco.

Juan Farías Gómez, conocido desde niño como el Chango, nació en Santiago del Estero y pasó su infancia y adolescencia en el barrio de San Telmo de la ciudad de Buenos Aires en el seno de una familia de músicos y artistas. Su primer grupo se llamó Los Musiqueros, que integró a los 16 años junto con Mario Arnedo Gallo y Hamlet Lima Quintana.

En 1960 formó el grupo Los Huanca Hua junto con su hermano Pedro Farías Gómez, Hernán Figueroa Reyes, Coco del Franco Terrero y Guillermo Urien. Luego también se sumaría al mismo su hermana Marián Farías Gómez, reemplazando a Figueroa Reyes. El grupo revolucionó el modo de interpretar la música folklórica, mediante complejos arreglos vocales, introduciendo la polifonía y el uso de fonemas y onomatopeyas para marcar el ritmo.

En 1964 realizó los arreglos de percusión para la Misa Criolla de Ariel Ramírez y fue intérprete de la percusión en la primera grabación de la misma, ese mismo año, junto a Los Fronterizos. Luego realizó una reducción para cinco voces de la Misa Criolla que fue grabada por Los Huanca-Huá primero y el Grupo Vocal Argentino, después.

En 1966 dejó el grupo, que continuó dirigido por su hermano Pedro, y formó el Grupo Vocal Argentino, considerado por algunos críticos como el mejor grupo vocal de la historia músical argentina.

En 1975 formó un trío con Kelo Palacios y Dino Saluzzi. En 1976, se exilió en España debido a la instalación de la dictadura militar en Argentina. Políticamente, Farías Gómez adhirió a las ideas peronistas:

Siempre fui peronista. Esto no tiene que ver con lo partidario sino con una forma de pensar el país.

En 1982 retornó a la Argentina y en 1985 formó Músicos Populares Argentinos (MPA), junto a Peteco Carabajal, Rubén Mono Insaurralde, Jacinto Piedra y Verónica Condomí, utilizando instrumentos inusuales en el folclore, como la batería o el bajo eléctrico.

En 1986 compuso la banda musical de la película Sostenido en La Menor de Pedro Stoki, en la que también actúa y en 1988 compuso la música de la obra teatral Orestes, el Super, de Alfredo Megna.

En 1989, fue designado por el presidente Carlos Menem como Director Nacional de Música, cargo en el que se desempeñó hasta 1991. En esa función creó el Ballet Folklórico Nacional.

En la década de 1990 formó el grupo La Manija, orientado a profundizar en las raíces africanas e hispanas de la música argentina. En la década de 1990 compuso bandas musicales para películas y obras de teatro, como Lope de Aguirre traidor, de Sanchis Sinisterra, La oscuridad de la razón, de Ricardo Monti, Con el alma, de Gerardo Vallejo, Lisandro de David Viñas, El circo en la arena, Don Fausto y la comedia musical infantil El collar de Perlita

Discografía

Merceditas (Chamamé)

Merceditas , canción inolvidable de Ramón Sixto Ríos, debe su nombre a una joven que ya es un mito en Humboldt, Santa Fe: Mercedes Margarita Strickler-Kahlow, quien vivió un romance apasionado con Ramón Sixto Ríos. La historia de amor nació en 1939 y perduró durante décadas. Para él fue un amor trunco, puesto que nunca pudo compartir su vida con ella tal como era su deseo. La vida de ambos transcurrió por separado, sólo hubo cartas que iban y venían con continuos ofrecimientos de casamiento por parte de él, que eran rechazados por Merceditas. Mientras el amor crecía, el músico le 

compuso la canción que lleva su nombre, rápidamente convertida en un clásico de la música popular.

Letra:
Qué dulce encanto tiene
en mis recuerdos, Merceditas,
aromada florecita,
amor mío de una vez.

La conocí en el campo
allá muy lejos, una tarde,
donde crecen los trigales...
provincia de Santa fe.

Así nació nuestro querer,
con ilusión...con mucha fe,
pero no sé por qué la flor
se marchitó y muriendo fue...

Como una queja errante
en la campiña va flotando
el eco vago de mi canto
recordando aquel amor...

Porque a pesar del tiempo transcurrido
es Merceditas la leyenda que palpita
en mi nostálgica canción.

Y amándola con loco amor así llegué a comprender lo que es querer, lo que es sufrir porque le dí mi corazón